Din noiembrie, „Basista arhitectului” (1999), hakiul abstract de 12 picioare înălțime al lui Claes Oldenburg și Coosje van Bruggen, care răsare dintr-un buzunar de la piept, a fluturat din piața de la nivelul străzii a Lever House, la 390 Park Avenue din Midtown Manhattan. Pliurile albe baroc ale sculpturii evocă marmura cremoasă a unui Bernini, voluptuoasă chiar dacă plasticul său întărit ar fi inutil să tamponeze un ochi. Oferă un confort diferit, o oprire vizuală de la geometria rigidă care se desfășoară în jurul său.
Incredibil, pentru un artist care și-a făcut New York-ul acasă timp de aproape 70 de ani, nici una dintre sculpturile publice fanteziste ca acestea – cele pentru care Oldenburg este cel mai celebrat – nu este vizibilă permanent în oraș. Această prezentare la Lever House, o bijuterie din 1952 a stilului internațional de la mijlocul secolului, este o corecție temporară, prima dintre lucrările lui Oldenburg la New York de la moartea sa aici, în 2022. Include „Plantoir, Red (Mid-Scale)” (2001) de Gulliver. -2021), și o selecție de sculpturi mai mici și desene schematice.
Arhitectul „batistei arhitectului” este Ludwig Mies van der Rohe, ultimul director al Bauhaus și tată spiritual al arhitecturii moderniste, a cărui clădire Seagram este o imagine clară peste Park Avenue de Lever (proiectat de Gordon Bunshaft și Natalie de Blois pentru Skidmore). , Owings & Merrill).
Afecțiunea lui Oldenburg pentru Mies s-a dezvoltat, fără îndoială, în Chicago, unde ambii se stabiliseră pentru prima dată după emigrarea din Europa. (Această „batista de arhitect”, dintr-o ediție de trei, a fost smulsă de pe Lake Shore Drive din Chicago.) Clădirea Seagram este singura contribuție a lui Mies la orizontul New York-ului, făcând plasarea lucrării o distilare inteligentă a îmbrățișării lui Mies la distanță de braț. New York.
Oldenburg nu avea o asemenea ambivalență. Sa mutat în New York City în 1956, iar arta sa a absorbit rapid cacofonia extatică a orașului. A încântat de părăsirea din East Village și de gunoiul străzii, detritusurile dezordonate ale vieții cotidiene ale căror splendori tactile l-au convins să abandoneze pictura pentru sculptură.
În 1960, a pietruit ziarele și cartonul pe care le-a găsit în jgheab pentru a face „The Street”, o panoramă ciudat de fermecătoare a vieții străzii. În anul următor, el a deschis „The Store”, un magazin funcțional din studioul său de pe East Second Street, care vindea facsimiluri accidentate ale vieții de zi cu zi: felii de prăjitură de ipsos vopsit și lipici și sandvișuri coagulate care au reușit cumva să fie atrăgătoare. El și-a declarat loialitatea față de arta care „se acumulează și scuipă și picură și este grea și grosolană și tocită și dulce și stupidă ca viața însăși”.
Oldenburg a împărtășit suspiciunea contemporanilor săi cu privire la consumerismul postbelic, dar a adus în Pop Art o tentă absurdă. Prelucrat și produs în masă transmutat în șifonat și lumpen, incidentul a devenit eroic, așa cum scria el, „cât de aproape poate un lucru să fie și să nu fie el”.
Prezentarea de la Lever House, împreună cu Paula Cooper Gallery, care reprezintă moșia Oldenburg și van Bruggen ca o singură entitate, este a doua după achiziționarea Lever House și renovarea extensivă de către Brookfield Properties și WatermanCLARK. Mormanele de pâine prăjită ale lui Oldenburg ar părea să fie în opoziție directă cu lustruirea de la mijlocul secolului a Lever House, dar preocupările lui răsună aici în moduri viclene sedițioase.
Dezvoltat în 1950 ca sediu internațional al companiei de săpun Lever Brothers, a fost un loc al culturii de pompare a mărfurilor la care artiștii pop au răspuns. Câteva generații mai târziu, periuțele de dinți și tuburile de pastă de dinți din Oldenburg ocupă vitrinele originale cu ramă de oțel care odată (unironic) au levitat produsele de consum Lever Brothers, cum ar fi operele de artă. Efectul este un pic ca a aduce un John Chamberlain pe podeaua unei fabrici GM.
Istoria patronajului artei a Lever House a început cu fostul său proprietar, magnatul imobiliar Aby Rosen, care a cumpărat clădirea în 1998 și timp de 20 de ani a folosit holul pentru a găzdui expoziții de artă de vârf; a comandat și o nouă lucrare care a intrat în colecția sa. Cele două prezentări sub Brookfield au răspuns mai mult arhitecturii decât pieței (Tom Sachs a pus o statuie de bronz cu Hello Kitty în piață în 2008 – șocant, dar nu într-un mod bun).
Prezentarea actuală este concisă, mai puțin un sondaj de muzeu decât un amuzament al carierei lui Oldenburg: două piese monumentale în aer liber și în interior, două sculpturi moi care au fost în studioul lui Oldenburg de zeci de ani (o bob de căprioară șchiopătând alunecând pe un oțel). coloană de susținere; un steag în formă de ferăstrău a cărui lamă de țesătură gossamer difuzează farurile traficului din centrul orașului); șapte sculpturi de pe masă (o grămadă pietrificată de pâine prăjită și o pungă de bomboane din „Magazinul”); și tot atâtea desene. Totuși, este suficient pentru a obține savoarea umorului lui Oldenburg, precizia psihanalitică cu care a demontat anxietățile și dorințele vieții moderne și gravă lipsă de seriozitate cu care le-a reconstruit.
Arta lui Oldenburg a fost necruțător freudiană, canalizând un erotism latent care putea deveni plictisitor (o mulțime de falusuri țâșnind și îngrădite). Dar piesele legau fetișurile libidinale de cele consumeriste, un adevăr a cărui relevanță nu a făcut decât să umfle. Arta lui Oldenburg s-a umflat și ea, pierzând o parte din cruditatea ei îndrăzneață pentru greutatea caricaturii, ceea ce explică poate de ce cea mai mare parte a lucrării mai mari a ajuns în altă parte, unde nu ar fi copleșită de densitatea arhitecturală a New York-ului sau unde există mai multă toleranță pentru capriciu. (Pare puțin probabil ca new-yorkezii să suporte o agrafă de rufe de 45 de picioare care se încadrează pe o intrare de metrou, așa cum se întâmplă în Philadelphia din 1976.)
Există comori neașteptate, inclusiv o propunere din 1962 de a înlocui 200 Park Avenue, fosta Pan Am Building, cu un Good Humor Bar răsturnat, o mușcătură luată dintr-un colț pentru a permite fluxul de trafic. (Unilever dobândise Good Humor cu un an înainte; includerea schiței aici imaginează o istorie alternativă a corporației.)
Dar este „Plantoir”, o mistrie supradimensionată de grădinar și ultima lucrare în aer liber pe care Oldenburg și van Bruggen, a doua soție și colaboratoare frecventă, au produs-o înainte de moartea ei în 2009 (această versiune a fost fabricată special pentru acest spectacol), care ajunge să fie cel mai încordat. Ea amintește de opera de artă publică a lui Oldenburg „Monumentul civic placid”, în care a angajat gropari pentru a excava 6 metri de pământ din Central Park și a-l reumple câteva ore mai târziu. Acea lucrare este descrisă alternativ ca o lucrare timpurie sau o reprezentație, deși în mare parte este emblematică pentru dorința lui Oldenburg de a remodela arta în expresia ei cea mai umană, pentru a o face la fel de simplă și universală ca moartea. Deschiderea unui mormânt în spatele Muzeului Metropolitan de Artă este, de asemenea, la fel de impas.
„Plantoir” este mult mai puțin perturbator, cufundat vesel în propriul soclu. Este poziționat lângă jardiniera din marmură albă a clădirii, care se scurge printr-un perete de sticlă și în hol, eliminând tensiunile public-privat, artă și comerciale ale artei din Oldenburg și înțelege de ce prezentarea reușește în cele din urmă.
Angajamentul corporativ cu arta este de obicei o încercare slabă de spălare a imaginii sau de anulare a impozitelor. Brookfield Properties, care este cel mai bine cunoscut pentru dezvoltarea și exploatarea centrelor comerciale, l-a angajat pe consilierul de artă Jacob King pentru a organiza comisii și expoziții temporare. (King a organizat aici o expoziție subtilă a lucrării lui Ellsworth Kelly anul trecut.) Probabil că ajută faptul că Bruce Flatt, directorul executiv al Brookfield, și soția lui, Lonti Ebers, sunt colecționari și că Ebers este un administrator al MoMA.
Brookfield are cu siguranță mai multe resurse decât media, iar caritabilitatea corporativă este rareori complet binevoitoare. Dar alternativa – a permite artei să se modeleze, nevăzut, în colecții private sau să lânceze în depozitare, este mai rea. Mai important, prezentarea îndeplinește cerințele lui Oldenburg pentru arta „care face altceva decât să stea pe fund într-un muzeu”. E mai greu decât pare.
Claes Oldenburg și Coosje van Bruggen
Până în noiembrie 2025, 390 Park Avenue, Manhattan; brookfieldproperties.com.