AFP prin Getty Images
Pe măsură ce Armory Art Show s-a încheiat în urmă cu două săptămâni, tipurile creative s-au reunit în oraș pentru a urmări peste 90 de designeri din SUA care își dezvăluie colecțiile de prêt-à-porter de primăvară/vară 2024 în timpul Săptămânii Modei din New York. Așa cum a fost tipic în anii trecuți, câțiva designeri au folosit artă și excesul ei istoric ca referință. Alții, ale căror profiluri sunt în creștere, datorită aparițiilor în expozițiile muzeelor, au continuat să se gândească la modul în care propria lor lucrare alunecă între artă, meșteșuguri și comerț.
Unul dintre mărcile americane urmărite îndeaproape pe parcursul săptămânii a fost Dauphinette, a cărei fondatoare, Olivia Cheng, a împrumutat două rochii expoziției din 2021 a Muzeului Metropolitan de Artă „În America: A Lexicon of Fashion”, desfășurată la Institutul Costumelor. Cheng, care încă nu a împlinit 30 de ani, a fost cel mai tânăr designer prezentat în acea săptămână.
Articole similare
Ea a câștigat o mulțime de adepți pentru perechi de materiale neobișnuite, cum ar fi metal, PVC, rășină și petale de flori. Cea mai recentă colecție a lui Dauphinette, dezvăluită sub titlul „Zei, fete și monștri”, a fost descrisă în notele de dinainte de spectacol ca fiind „ușor suprarealistă”. Unele rochii au fost făcute folosind gândaci adevărați, în timp ce altele au fost produse pentru a arăta ca candelabre. Erau genți de mână fixate cu orificiile cu balamale pentru cutiile metalice pentru scrisori și erau tocuri care încolțeau părul brunet, un aparent riff despre tendința suprarealistă de a face obiectele anorganice să pară umane, așa cum au făcut Meret Oppenheim, René Magritte și alții în arta lor. Aplicarea „elementelor anatomice la obiecte neînsuflețite” și invers, a spus Cheng, este „nucleul” conceptelor etichetei.
Palomo Spain, un designer care este deja binecunoscut pentru explorarea intersecțiilor dintre gen și clasă, a revenit din ce în ce mai departe în istoria artei cu spectacolul său de la Hotelul Plaza. Directorul său de creație, Alejandro Gómez Palomo, a adus modele care influențează genul pe o pistă aurita, cu bărbați îmbrăcați în corsete, dantelă și acoperiri brodate transparente. El a citat în mod deschis pictura de istorie spaniolă și elementele ei deosebit de romantice ca informare a imaginilor sale. Aceste influențe au fost evidente aici, unde hainele cutituite ale subiecților curteni din picturile lui Velázquez se profilau mari.
Pe o pistă întunecată ridicată pe podeaua Băncii de Economii Williamsburg, Piotrek Panszczyk, directorul de creație din spatele casei de discuri Area din New York, a debutat cu o colecție de blană axată pe couture. În notele sale pentru spectacol, Panszczyk a numit blana „cea mai veche formă de îmbrăcăminte” și nu ar fi dificil să evocăm exemple din pictura europeană pentru a susține această noțiune, de la nudurile renascentiste ale lui Titian până la portretele vechilor maeștri flamand de Rubens. Jucându-se cu asocierile sale cu bogăția, el a imprimat imagini fotocopiate cu piei de animale pe denim și modele înecate în paltoane de blană artificială supradimensionate.
Marca de cult Puppets and Puppets din Downtown a privit dincolo de Renaștere, mergând până la arta Evului Mediu pentru un spectacol la Biserica Immaculate Conception din East Village, care a inspirat fantomele. Erau mâneci umflate pe o rochie albă plată potrivită pentru o mănăstire și era o rochie transparentă imprimată cu imagini care părea să fie ridicată din tapiseriile din secolul al XVI-lea ținute la Mănăstirile Met. Unul dintre acele textile faimoase înfățișează un unicorn care servește drept înlocuitor pentru Hristos – o amintire pentru privitorii săi că uneori morții nu rămân morți. Același lucru, aparent, este valabil și pentru arta vremurilor trecute.
Look 11 din colecția SS24 a lui Dauphinette. Cu amabilitatea Dauphinette.
Alți designeri, precum Proenza Schouler și Khaite, au căutat să se conecteze cu eșaloanele superioare ale lumii artei comerciale, nu făcând aluzii la artiști celebri, ci aducându-și hainele în locații care găzduiesc în mod regulat jucătorii de vârf ai pieței. Primul și-a adus publicul la sediul Park Avenue al casei de licitații Phillips. Cele mai sclipitoare piese erau fustele decorate cu oglinzi; restul colecției era mai minimal, cu croitori de rezervă care se potrivesc cu tonul clădirii cu pereți albi în care a fost organizat spectacolul.
Jack McCollough și Lazaro Hernandez, fondatorii brandului în vârstă de 20 de ani, au declarat într-o declarație că spectacolul a fost menit să ia în considerare relația dintre artă și comerț. „Acolo este în cazul în care arta vine să fie judecată în funcție de viabilitatea sa comercială”, au scris ei.
Între timp, la Park Avenue Armory, Khaite și-a pus modelele să meargă în paltoane solide, unele dintre ele fiind asociate cu genți care arătau ca lingouri de aur. Interviu a comparat spectacolul cu un furt.
Alți designeri au implicat mai direct artiști în cele mai recente proiecte. Rachel Scott, directorul de creație al Diotima, fondată în 2021, a colaborat cu artista jamaicană Laura Facey pentru a pune în scenă cea mai recentă colecție. Titlul spectacolului, „Nine-Night”, provine dintr-un ritual funerar cunoscut și sub numele de Dead Yard, care este practicat în unele țări din Caraibe. Membrii familiei și prietenii îndurerați țin ceremonia – atât o petrecere, cât și o veghe lungă – ca un memorial al recentului decedat. Pentru colecție, modelele au atârnat pandantivele amorfe sculptate ale lui Facey de lobii urechilor și de talie, în timp ce îmbrăcau țesăturile tricotate ale lui Diotima.
Și apoi a existat încă un alt mod în care aluziile artistice au fost văzute pe piste săptămâna aceasta, artiștii înșiși modelând look-uri pentru Eckhaus Latta, un brand care a făcut în mod regulat o punte între modă și cercurile artiștilor.
Eckhaus Latta și-a găzduit prezentarea la Clădirea Internațională din Rockefeller Center, un epicentru de afaceri situat la doar câteva străzi de sediul Christie’s New York. Duo-ul din Los Angeles din spatele mărcii, regizorii Zoe Latta și Mike Eckhaus, și-au arătat arta în instituții precum Muzeul Whitney și Muzeul Hammer și au acumulat un număr de urmăritori fideli ai artiștilor alături de expunerea lor instituțională. Într-un interviu recent, Latta a spus că pentru cele mai recente modele, ea și Eckhaus s-au concentrat mai mult pe extinderea duratei de viață a articolelor lor pentru a ține pasul într-o industrie care premiază producția rapidă în detrimentul longevității atunci când vine vorba de haine.
Modelele lor au inclus de data aceasta artiști precum Aria Dean și Susan Cianciolo. Au urcat pe un set de scări rulante din centrul holului Art Deco al locației, purtând articole atât funcționale, cât și nu: cămăși și rochii translucide care păreau a fi orz acolo, realizate din țesături tehnice produse pentru a rezista uzurii pe termen lung de la intemperii. ; alte ansambluri au inclus piele, oferind durabilitate pieselor care altfel ar fi fost fragile.
Includerea lui Cianciolo, care ea însăși a combinat arta și moda cu faimosul ei proiect RUN din anii 1990, spune ce făcea Eckhaus Latta cu această colecție. Cianciolo a rezistat mult timp comercialismului modei contemporane, individualizând articolele vestimentare pentru membrii propriei sale rețele artistice. (De asemenea, și-a câștigat lumea artei de bună credință, făcând un proiect pentru Bienala Whitney din 2017, care a avut loc în restaurantul muzeului.) Fondatorul lui Eckhaus Latta a spus că continuă să urmeze precedentul lui Cianciolo.
„Ne gândim la identitatea noastră de designeri americani”, au declarat cei doi pentru ARTnews într-o declarație comună după spectacol. „Este vorba despre găsirea locului în care există limba noastră, iar organizarea spectacolului la o icoană a designului american a ajutat la informarea acestei explorări.”